Programación

Concierto de fin de curso · Coro de la Universidad de Salamanca


SÁBADO, 22 DE JUNIO
CORO DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

Concierto de final de curso
Director: Bernardo García-Bernalt Alonso

Auditorio de la Hospedería Fonseca, 20:00h 
(Entrada gratuita hasta completar aforo)

                       

 

DE IDA Y VUELTA

En su tradicional concierto de final de curso el Coro Universitario propone este año un programa en el que se cruzan dos de los puntos de interés de esta agrupación: la relación entre música y poesía, por una parte, y el intercambio entre las culturas musicales ibéricas e iberoamericanas por otra. En el concierto los textos de Lorca y Alberti dialogan con músicos argentinos o cubanos, al lado de versos de Octavio Paz, Mario Benedetti, Jorge Gorostiza o Celso Emilio Ferreiro, proponiendo múltiples viajes donde idas y vueltas propician felices encuentros.

PROGRAMA

Nocturno de la ventana 
Texto: Federico García Lorca (1898-1936). Música Emilio Solé (1956-)

Cantos del fuego, la tierra y el aire (selección) (1997-98)
Textos: Federico García Lorca. Música Dante Andreo (1949-)
Serenata de Belisa
Sorpresa 
Remanso, canción final
La Lola 
El paso de la siguiriya

Media luna Dos canciones con textos de Federico García Lorca (2009)
Texto: Federico García Lorca. Música: Wilma Alba Cal (1988-)

María Soliña (2005)
Texto: Celso Emilio Ferreiro (1912-1979). Música: Julio Domínguez (1965-)

Nerea izango zen (1974)
Texto: Joxean Artze (1939-2018). Música: M. Laboa (1934-2008). Arreglo: J. Busto (1949-)

Se equivocó la paloma (1941)
Texto: Rafael Alberti (1902-1999). Música: Carlos Guastavino (1912-2000)

Tres haiku (1992) 
Textos anónimos japoneses (traducción J.V. Anaya). Música: Jorge Córdoba (1953-) 
Sobre el arrozal
Un murciélago
Niebla del alba

Corazón coraza (1986)
Texto: Mario Benedetti (1920-2009). Música: Beatriz Corona (1962-)

Dos cuerpos (2014)
Texto: Octavio Paz (1914-1998). Música: Julio Morales Pineda (1987-)

La orilla del mar (1993)
Texto: José Gorostiza (1901-1973). Música: María Granillo (1962-)

Serenata para la tierra de uno (1968)
Texto y música: M. Elena Walsh (1930-2011). Arreglo: Liliana Cangiano (1951-1997)

(2004)
Texto: Sophia de Mello. Música: Eurico Carrapatoso (1962-) (2.10)

Acordai 
Texto: J. Gomes Ferreira. Música: Fernando Lopes Graça (1906-1994) 

 

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Garufa Teatro "Siempre pícaros"

 

               

Dirección: José Antonio Sayagués
Músico: Alberto Miniño Castiñeira

Eva Marciel - Justina, Andrea, Esperanza
Roser Pujol - Juana, Marcela, Olalla, Claudia
Nuria Galache - Julia, Aurora, Grijalva
Néstor Arnas - Rodrigo, Garcés, Guzmán, Corregidor
Manu Soler - Mengo, Ventura, Estudiante
Alejandro Arestegui - Escribano, Ortuño, Félix

Músico: Alberto Miniño Castiñeira
Música: obras de Gaspar Sanz y José Marín

 

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Martirio y Chano Domínguez "A bola de nieve"

El concierto “A Bola de Nieve”, a dúo entre Martirio y Chano Domínguez al piano, esta basado en el repertorio del gran cantante, pianista y compositor cubano Bola de Nieve, uno de los músicos más geniales que ha dado la Isla de Cuba.

Bola era vanguardista, grandísimo intérprete del llamado bolero filin, sin fronteras para su arte. Sensual y cosmopolita, viajó, contagió su música, vinculó gentes, abrió caminos, creó escuela, mostró e intercambió por el mundo su sabiduría y aficiones. En Bola, sobresale la ternura y la expresividad, la pasión, el sentimiento descarnado, sin adornos ni purpurina, llegar al fondo del alma con la voz y el piano, para revolucionar los sentidos y las emociones.

Esto es lo que quieren recrear Chano y Martirio. Aportando la gran admiración de ambos por el artista cubano, el estudio de su obra y sus connotaciones con nuestros ritmos. Con el estilo inconfundible que caracteriza la música de ambos, la complicidad que existe entre ellos, el inherente acento andaluz que impregna sus más diversas incursiones en la música en sus dilatadas carreras…, así se forjan estas nuevas versiones tocadas por la copla, el jazz, el bolero filin y el flamenco.

En este homenaje, se van combinando las canciones más nostálgicas, con las más amorosas, las más populares con las más divertidas. Muy teatral por parte de ambos. Muy jazz y muy flamenco.

La música de Andalucía y la de Cuba unidas de nuevo para impulsar este reto maravilloso de dar a conocer más a Bola, a nivel popular.

Martirio

Atalaya Teatro "El Rey Lear"

Rey Lear supone el 24º espectáculo de Atalaya, que se estrena en un año especial en el que se conmemoran los 35 del grupo y los 10 desde que recibiera el Premio Nacional de Teatro. Representa la segunda adaptación y puesta en escena sobre textos de Shakespeare y en concreto aborda el que, según muchos estudiosos supone el más logrado de todos ellos, lo que equivaldría a decir de todo el teatro universal. Si bien durante siglos estuvo semiproscrito por su dura crítica contra los poderosos, lo cual le imprime plena vigencia en nuestros días.

Estamos ante el Shakespeare con mayor madurez, pero también con mayor sensibilidad social y humanismo, de una tremenda modernidad. Podría parecer que sus palabras fueran escritas por un filósofo revolucionario contemporáneo, pero su forma es de tal belleza poética que se sitúa en otra dimensión que el resto del teatro universal.

Carmen Gallardo, a quien se ha rendido la crítica dentro y fuera de nuestras fronteras por sus recreaciones de personajes –especialmente de Celestina y Madrecoraje-, toma el testigo de Nuria Espert y Glenda Jackson –actrices que han encarnado recientemente a Lear-para componer, con una estremecedora sensibilidad y fiereza a la vez, Rey Lear, uno de los personajes con mayor riqueza de matices de la historia del teatro. Despotismo, infamia, arrogancia y ceguera van dejando paso a lo largo de la obra a patetismo, grotesco, autodestrucción, pasando por el desprendimiento y la fraternidad... y finalizando en la heroicidad, la autenticidad, la dignidad, la ternura.... y, en medio de todo ello, la locura. Ningún otro personaje de la historia atraviesa semejante recorrido, secundado por otros protagonistas de la obra.

Atalaya aborda esta joya tras el éxito que supuso Ricardo III, uno de sus espectáculos más premiado y alabado por la crítica; del cual expertos en Shakespeare aseguraron que parecía haber sido producido en Inglaterra, por su tono interpretativo y por sus logradas atmósferas. Desde aquel montaje el equipo estable de actores ha encarnado muchos otros personajes del teatro universal, pero especialmente han resultado valiosos para su crecimiento artístico Celestina, Madrecoraje y Marat/Sade, un crecimiento que alcanza su cénit en , que viene como anillo al dedo al momento álgido que vive Atalaya.

Especial relieve tiene la interpretación coral que ha ido ganando en importancia en los montajes. Los nueve actores están presentes en escena a lo largo de todo el espectáculo incorporando a los nueve personajes principales, secundarios y coros de soldados y desharrapados. Los actores modifican ante el público el espacio escénico en múltiples ocasiones –tal como requiere la obra-, apoyándose en una trepidante coreografía y en más de una decena de vibrantes cánticos interpretados en vivo.

 

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Rocío Márquez "Visto en El Jueves"

Encumbrada por la prensa como “la voz de la nueva generación del cante jondo”, Rocío Márquez (Huelva, 1985) lleva más de una década, desde que en 2008 ganara la Lámpara Minera, labrando una sólida carrera artística que hoy desborda el panorama flamenco, donde es ya un claro referente y figura consolidada.

En esta era del usar y tirar y de las redes sociales, Rocío Márquez propone un ejercicio de memoria. Escuchar memorias vivas y plurales usando, cortando y pegando y en definitiva remezclando canciones y cantes, palos y música popular con un nexo difuso, pero al mismo tiempo crucial en lo personal: haber sido encontradas en el histórico mercadillo de antigüedades de El Jueves de la calle Feria de Sevilla.

Llega así ‘Visto en El Jueves’, el quinto disco de estudio de la cantaora, donde plantea una reflexión crítica sobre el concepto de autoría mediante un repertorio en el que la brecha entre lo flamenco y lo no flamenco, el cante y la canción, queda desdibujada. Encontramos de este modo canciones versionadas de grandes artistas, así como palos flamencos recreados. Bambino, Rocío Jurado, Paco Ibáñez, Concha Piquer, El Cabrero, Turronero, Pepe Marchena, José Menese y Manuel Vallejo se cruzan y entremezclan con serranas, abandolaos, fandangos, malagueñas, rondeñas, peteneras, bulerías, marianas, romances y rumbas.


Tras prescindir de la guitarra en sus dos anteriores proyectos, Rocío vuelve al instrumento angular del flamenco de la mano de Canito. Entre ambos, y arropados por las percusiones de Agustín Diassera, asumen el reto de exprimir sus posibilidades expresivas desde los parámetros de naturalidad y sencillez musical y transitando por una constante experimentación de arreglos y melodías.

 

El Brujo "Dos tablas y una pasión"

Dos tablas y una pasión es el teatro en estado puro. La materia prima: sólo pasión … ¡Y un par de tablas! (y a veces incluso sin tablas)

La frase se le atribuye a Lope de Vega y también a Cervantes … ¿Pero, quién la acuñó? Los dos “grandes” han inundado el teatro de ingenio y de poesía para todos los tiempos. Ambos se incluyen en este espectáculo, junto a otros grandes que bailan en círculo, como los cuerpos celestes en el firmamento. El amor es el centro nuclear de esta danza. Los cuerpos que bailan, además de Shakespeare y Lope, son San Juan de la Cruz, Teresa de Jesús, Cervantes, Quevedo, Fray Luis de León, San Francisco de Asís y la “sangre de una rosa” … el temblor de sus pétalos me impulsó hacia este espectáculo con la música del violín de mi amigo Javier Alejano.

Decía Valle Inclán que cuando el barco llega a su puerto, los marineros olvidan el oficio de la vela y la navegación.

El amor es el puerto. Olvidar el oficio de una vez por todas es una vieja aspiración, la meta de un verdadero comediante: no trabajar, olvida el oficio, sólo jugar y jugar y danzar en torno a estos textos de fuego.

Que ustedes lo disfruten.

Rafael Álvarez EL BRUJO

 

 

Ballet flamenco de Andalucía "Naturalmente flamenco"

Solista - Úrsula López
Bailaores - Borja Cortés, Álvaro Gordillo, Manuel del Río y Federico Núñez
Bailaoras - Julia Acosta, Ana Almagro, Lidia Gómez, Gloria del Rosario y Aitana Rousseau
Guitarras - Juan Torres y Pau Vallet
Cante - Sebastián Cruz, Vicente Gelo y José Luis Pérez-Vera

La música y la danza son una suerte de lenguaje universal,una forma de expresar y transmitir emociones y sentimientos. Y el flamenco es en Andalucía su expresión más significativa, su raíz más profunda. Una manifestación cultural de todo un pueblo, nacida desde sus propias raíces y alimentada por su intrínseca y única historia. El flamenco participa de esta algarabía interna, provocada por las vivencias que se van atesorando y que nos forjan como individuos de una única especie. Por eso emociona, por eso despierta emociones: porque a nadie le es ajena la sentimentalidad. Toca las entrañas de quien se acerca, conmueve y emociona de una manera directa, sin estridencias. No las necesita. Es natural.

Todo ello se muestra en Naturalmente flamenco, un espectáculo que es también una manera sincera y auténtica de mostrar este arte patrimonio de la humanidad. Es el resultado de conjugar la ilusión, el conocimiento y la destacada sensibilidad del elenco que forma el Ballet Flamenco de Andalucía, profesionales que viven apasionados por el flamenco y que tienen mucho que contar sobre este arte. Con la colaboración coreográfica de Rubén Olmo —exdirector del Ballet Flamenco de Andalucía y Premio Nacional de Danza— y la coordinación artística de Úrsula López —bailaora repetidora de la compañía— queda patente en esta propuesta el proceso de formación continua del Ballet Flamenco de Andalucía.

A estas alturas de la historia, el baile flamenco forma parte de la naturaleza y de la vida misma, sin más riendas que la disciplina que debiera enseñar a sus artífices a ser sencillamente naturales. Así, el Ballet Flamenco de Andalucía busca, naturalmente, la libertad.

 

Noviembre Teatro "Entre bobos anda el juego"

Entre bobos anda el juego o Don Lucas del Cigarral está considerada como el modelo de comedia de figurón, que es un subgénero de la comedia de capa y espada que se desarrolla a partir de un personaje cargado de faltas (avaricia, orgullo, pedantería, etc.) al que se caricaturiza y se rodea de una peripecia que se va enredando hasta lograr la burla final.

La primera representación de esta obra de la que se tiene constancia fue en 1645 durante las fiestas de carnaval, y tuvo lugar frente al Alcázar de Madrid, con un espectador de excepción: el rey Felipe IV. Posteriormente conocemos funciones a lo largo de los siglos, y podemos decir que es una de las pocas obras del repertorio áureo español que no se han alejado de la escena desde su composición.

A su constancia sobre las tablas ayuda mucho el papel de don Lucas del Cigarral, todo un carácter más que adecuado para el lucimiento de un actor característico o galán con posibilidades cómicas como solían ser los primeros actores y dueños de muchas compañías.

 

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